BELLINI (LES)

BELLINI (LES)

Sous le nom de Bellini, on range trois peintres vénitiens: le père et les deux fils. À ces trois peintres, on doit rattacher Andrea Mantegna qui travailla avec eux et épousa la jeune Bellini. Véritable affaire de famille, puisque sous ces liens se cachent des influences réciproques, des emprunts ou des imitations. Sur ce sol commun, trois personnalités se sont imposées: le père, Jacopo, dessinateur, héritier de la première Renaissance; Gentile, grand décorateur, très influencé par la géométrie de l’œuvre de son père et de son beau-frère, et surtout Giovanni Bellini, qui sut profiter d’un aussi lourd héritage et poser les prémisses d’une peinture véritablement vénitienne.

1. Jacopo Bellini

Jacopo Bellini est né à Venise en 1400. Il se rend à Florence en 1423. Là il étudie dans l’atelier de Gentile da Fabriano, peintre dont l’œuvre marque l’apogée de la fin du style gothique dans la cité où s’élabore la première Renaissance. Vers 1430, il retourne en Italie septentrionale, non pas à Venise, mais sur la terra ferma , à Padoue, où il peint des fresques aujourd’hui perdues. Il se lie aux artistes et philosophes qui forment l’école humaniste du Nord. De retour à Venise, il vit entouré de sa famille: sa fille a épousé Andrea Mantegna, ses fils Giovanni et Gentile travaillent auprès de lui et deviennent les deux plus grands peintres de Venise. Il meurt en 1470.

Sans qu’on puisse parler d’une évolution ou d’une rupture marquées, l’œuvre de Jacopo traduit deux préoccupations distinctes: d’une part, dans les tableaux, une acceptation du style du siècle précédent; d’autre part, dans les dessins, une volonté de participer à la recherche d’un espace pictural nouveau.

Sur le peu de tableaux qu’il nous reste de Jacopo, la plupart représentent des Vierges dans la posture traditionnelle: la Vierge a la tête penchée et auréolée, elle est vêtue de tissus aux plis très marqués, elle tient entre ses bras un Christ enfant, dont la tête est disproportionnée par rapport au corps. Au fond doré ou neutre se substitue une fois (Madone et le donateur ) un paysage qui crée une impression de profondeur sans appartenir au même espace que celui de la Vierge. C’est là l’aspect gothique de son œuvre.

Ses recherches personnelles apparaissent dans ses dessins. Il y épouse les exigences de l’humanisme. Si sa thématique reste chrétienne (Nouveau Testament), son intérêt pour l’architecture, romaine ou contemporaine, et les paysages montagneux le pousse à situer ses scènes dans un décor païen ou naturel. Aussi compose-t-il ses dessins en ayant toujours grand souci de la profondeur, élément essentiel de la perspective. Les architectures composites, souvent romaines pour le haut et vénitiennes pour le bas, sont soulignées par des lignes perpendiculaires et parallèles qui entraînent l’œil vers le point de fuite. Jacopo semble vouloir assumer tous les thèmes humanistes et multiplie les colonnades, les arcs de triomphe; il dessine gratuitement des stèles funéraires, des monnaies impériales, et des candélabres. Mais il entend aussi intégrer à cette architecture les personnages; il fait se dérouler les cortèges du fond vers le premier plan et non simplement de gauche à droite; il place les foules le long des lignes parallèles des édifices.

2. Gentile Bellini

Gentile Bellini est né en 1429. Il travaille auprès de son père et subit l’influence d’Andrea Mantegna. Il exécute sa première commande pour l’école de Saint-Marc dont il décore les orgues. Peu à peu, il prend la place de son père: en 1471, il a, avec son frère Giovanni, fondé un atelier. Il est chargé de la restauration des fresques de la salle du Grand Conseil. Auprès du sultan de Constantinople, Mahomed II (1479-1480), il exécute des œuvres qui enthousiasment le souverain, iconoclaste comme tout musulman. À son retour, il peint, pour le duc de Mantoue, des vues de Venise et du Caire. En 1500, il travaille pour diverses confréries vénitiennes; en 1504, il commence la Prédication de saint Marc qu’achèvera Giovanni. Il meurt en 1507.

Gentile a conservé de nombreux traits de la manière de son père et de son beau-frère; cette influence est surtout visible dans ses premières œuvres où les saints semblent figés dans des expressions outrancières. Car Gentile use avec insistance de la rhétorique mantégnesque: les lignes très accentuées composent les visages et les paysages, des architectures abruptes écrasent les personnages. C’est ailleurs qu’il faut chercher le style de Gentile: dès qu’il s’éloigne des types chrétiens, souvent imprégnés d’humanisme, pour peindre son siècle et sa ville natale, il retient davantage l’attention; l’œuvre s’emplit de tout ce qui faisait la vie de Venise; la place Saint-Marc, les canaux, les mosaïques, les fêtes animées par les Orientaux aux riches turbans. Mais toujours la religion a sa place, puisqu’il peint surtout des processions, des miracles ou des prédications; le milieu a changé, le thème religieux demeure. Son style s’est-il aussi modifié? Bien souvent il reprend les constructions des dessins de Jacopo: il accentue la forme rectangulaire de la place Saint-Marc en disposant la foule en un second rectangle inscrit dans le premier; plus encore, il mêle deux formes de mouvement, l’une, traditionnelle, qui fait avancer les personnages de droite à gauche, l’autre, plus nouvelle, qui les fait venir du fond vers le premier plan ou inversement. Ces personnages sont toujours situés symétriquement par rapport à une architecture où se mêlent le vénitien et l’oriental; mais ceux-ci ne sont pas toujours très individualisés. On s’en aperçoit lorsqu’on observe attentivement la Prédication de saint Marc et qu’on distingue les personnages exécutés par Gentile de ceux qu’a peints Giovanni, qui seuls sont vraiment singularisés. En vertu du primat de la construction linéaire, Gentile n’accorde pas un rôle essentiel à la lumière, et ses couleurs ne sont pas toujours aussi orientales ou vénitiennes que ses architectures.

3. Giovanni Bellini

La date de naissance de Giovanni Bellini n’est pas établie avec certitude. L’année 1425 semble acceptable. Il travaille vers 1450 dans l’atelier de son père; à partir de 1460, dans son propre atelier, où il peint de nombreuses œuvres destinées à des congrégations religieuses de Venise. C’est alors qu’il est chargé, avec son frère, de la décoration de la salle du Grand Conseil. En 1475, Antonello de Messine est à Venise; une légende veut que Giovanni ait alors découvert sur les toiles de ce maître l’importance de l’huile. Puis Giovanni Bellini voyage et se rend à Urbino, où il voit sans doute des toiles de Piero Della Francesca. À Pesaro, il peint un Couronnement de la Vierge. De retour à Venise, sa production s’accroît, il exécute un grand nombre de portraits à caractère officiel. Invité par le sultan, il laisse son frère, Gentile, faire le voyage. En 1507, il achève une œuvre de son frère, qui vient de mourir, puis une autre, commandée à Mantegna, lui aussi disparu. Il mourra en 1516.

Disciple de Mantegna

On ne peut embrasser d’un regard ou définir d’un mot l’œuvre d’un peintre qui a produit durant soixante ans. Parti de bases bien déterminées, Giovanni Bellini a peu à peu élaboré une manière dont ses élèves profiteront. Très lié aux préoccupations humanistes et archéologiques de Mantegna, il s’en est peu à peu délivré non pour les oublier, mais pour leur donner vie dans un milieu de lumière et de nuances. Giovanni Bellini utilisera toute sa vie la peinture à l’huile sur bois; ce procédé d’origine flamande était encore peu utilisé en Italie; il permet un trait plus précis et des couleurs moins tranchées. Son humanisme sera très différent de celui de Mantegna. Ainsi, à part quelques exceptions très remarquables, il n’illustrera que peu de thèmes ou de textes antiques ou d’inspiration antique: l’allégorie païenne est rarement représentée pour elle-même, elle peut figurer comme motif dans une scène d’inspiration chrétienne; tel est le cas dans le Sang du Rédempteur : des bas-reliefs romains représentant des sacrifices ornent la balustrade qui sépare le Christ du paysage. Giovanni n’est ni un archéologue ni un philologue. Il ne recherche pas de nouvelles humanités. Et pourtant toute son œuvre est remplie de types humanistes en tous points identiques à ceux d’Andrea Mantegna. Car tous deux furent marqués par les préoccupations de l’université de Padoue, devenue Université de Venise au début du XV^e siècle. Là se développa l’étude des textes et des monuments de l’Antiquité romaine. Rivale de Florence, Padoue peut s’enorgueillir de compter parmi ses artistes Donatello et Ucello, des exilés de marque comme Philippe Strozzi, auteur d’une histoire naturelle, ou Francesco Barbaro, grand connaisseur de la sculpture païenne. Ainsi, la majeure partie des tableaux de Giovanni Bellini est comme un montage d’éléments codifiés par les peintres et les humanistes de l’époque. En premier lieu, nous retrouvons l’architecture, objet des recherches de Jacopo et de Mantegna. L’architecture romaine n’a pas sa place, si ce n’est allusivement: colonnes ou pilastres corinthiens, arènes de Vérone. C’est surtout l’architecture contemporaine de la terra ferma que l’on découvre: villes entières avec leurs remparts, leurs châteaux forts, leurs ponts, leurs églises. Comme Mantegna, Giovanni mêle sans cesse l’archéologie et l’étude de la terre; les paysages paraissent usés et travaillés par le temps, les rochers s’entrouvent, la terre laisse apparaître les couches qui la constituent. On pourrait croire que les paysages sont autant d’architectures où l’on lit l’âge de la terre. Cette parenté est renforcée par l’emploi de certaines formes: lignes courbes et très accentuées, chemins tortueux, lacs ovales. De même, les personnages de Giovanni auront pendant longtemps ces visages déchirés, ces expressions pathétiques, ces musculatures nerveuses qui appartiennent aux types mantégnesques. Giovanni Bellini ne serait-il que le continuateur d’Andrea Mantegna ? Certes, la typologie est la même, et les erreurs d’attribution suffisent à montrer combien la différence est parfois difficile à observer. Ainsi Giovanni reprend certaines œuvres de Mantegna. La Prière dans les jardins en est l’exemple le plus saisissant: le thème est le même; Mantegna utilise son matériel habituel et presque tous ces éléments se retrouvent chez Giovanni Bellini. Un premier signe permet de distinguer les deux œuvres: leur disposition est inverse; chez Bellini, le Christ est en haut, les apôtres en bas; chez Mantegna, c’est l’inverse. Et si les éléments sont semblables, la composition diffère. Mantegna surdétermine le fond et accentue le relief; l’arrière-plan jaillit vers l’avant comme si le peintre voulait faire intervenir l’humanité antique et l’architecture imaginaire au sein du récit chrétien. Au contraire, Giovanni ôte au fond toute valeur rhétorique; il lui laisse ses composants, mais n’en accentue pas le relief. Ici, la scène se déroule dans un espace qui tend à devenir un milieu naturel plutôt qu’un montage. Au lieu d’être écrasés par ce fond très accentué, les personnages s’avancent vers nous.

Du décor archéologique à l’espace naturel

La recherche de Giovanni Bellini va tendre de plus en plus vers un équilibre harmonieux entre le personnage et son milieu. Les lignes perdent peu à peu de leur dureté; à l’arrondi d’une épaule répond la courbe d’une montagne. Cette évolution va se préciser quand les surfaces et les volumes auront des limites de plus en plus floues et imprécises. Alors apparaît son style propre. Voulant placer l’homme, le dieu, le saint, la madone ou le paysan dans un espace réel, il unifie par ce qui est commun aux personnages et au paysage: la lumière. Celle-ci souligne à peine les volumes, elle donne aux paysages un aspect diaphane, elle illumine les façades des édifices, fait jaillir le jour dans les forêts profondes et transforme les lacs en miroirs (Madone des arbres ). Cette volonté de tout baigner de lumière écarte définitivement la violence mantégnesque: les nuances de couleurs, les dégradés, la lente montée de l’aube ont remplacé les constructions géométriques. Et pourtant, son œuvre est toujours parcourue par des types mantégnesques, qui resurgissent lors même qu’ils semblent étrangers à son nouvel univers. Mais quand ces types disparaissent, Giovanni crée une lumière et des couleurs qui peupleront désormais les paysages de Giorgione et de Titien. Il aura donc transformé l’humanisme archéologique de Mantegna en une peinture où le paysage ne sera plus qu’un paysage.

De ces influences réciproques est-il né une manière originale? Peut-on dire que Giovanni Bellini ait utilisé au mieux la perspective de son père et l’humanisme dramatique d’Andrea Mantegna? A-t-il fondé une peinture véritablement vénitienne? Ne doit-on pas aussi noter que Gentile a ouvert la voie à une peinture dont Venise en fête sera le thème constant?

Encyclopédie Universelle. 2012.